집에서 기타를 녹음하고 믹싱하는 방법: George Lever와 Forrester Savell의 팁

열등한 침실 프로듀서의 시대는 지났습니다. 생산 장비와 소프트웨어가 더욱 저렴해짐에 따라 예비 공간은 Abbey Road에 대한 더욱 실용적인 대안이 되었습니다.

Gone are the days of the inferior bedroom producer. As production gear and software becomes ever-more affordable, spare rooms become more viable alternatives to Abbey Road. 

열등한 침실 프로듀서의 시대는 지났습니다. 생산 장비와 소프트웨어가 더욱 저렴해짐에 따라 예비 공간은 Abbey Road에 대한 더욱 실용적인 대안이 되었습니다.

Whether your homemade productions are for sharing with bandmates, seducing industry professionals or official releases, the tech is more accessible than ever – but making your music stand out in a saturated market isn’t.

밴드 동료와의 공유용이든, 업계 전문가를 유혹하는용이든, 공식 출시용이든 상관없이 기술에 대한 접근성은 그 어느 때보다 높지만 포화된 시장에서 음악을 돋보이게 만드는 것은 그렇지 않습니다.

With so many variables to self-recording and mixing guitars, as well as a raft of conflicting information online, Guitar World sat down with esteemed producers George Lever (Sleep Token, Loathe, Monuments) and Forrester Savell (Karnivool, Tesseract, Caligula’s Horse) to learn about what to do, and what not do, to make your productions pop.

자체 녹음 및 믹싱 기타에 대한 변수가 너무 많고 온라인에서 상충되는 정보가 많기 때문에 Guitar World는 존경받는 프로듀서 George Lever(Sleep Token, Loathe, Monuments) 및 Forrester Savell(Karnivool, Tesseract, Caligula's Horse)과 함께 자리를 잡았습니다. 당신의 작품을 돋보이게 만들기 위해 해야 할 일과 하지 말아야 할 일을 배우십시오.

Before recording

녹음하기 전에

Like everything, preparation is key. Savell stresses the importance of players learning their parts before entering a recording environment; but Lever goes one step further by emphasizing the value of players “understanding their instrument to the best of the ability”.

모든 것이 그렇듯이 준비가 중요합니다. Savell은 녹음 환경에 들어가기 전에 플레이어가 자신의 파트를 배우는 것이 중요하다고 강조합니다. 그러나 Lever는 한 걸음 더 나아가 연주자가 "자신의 악기를 최선을 다해 이해하는 것"의 가치를 강조합니다.

He says: “There’s an assumption that recorded guitar should sound like MIDI, but that ignores the builds of different guitars – the way it's set up, the string tension relationship with the tuning that you’re playing in, and how the left-hand influences microtonal changes to the tuning.

그는 이렇게 말합니다. “녹음된 기타는 MIDI처럼 들려야 한다는 가정이 있습니다. 하지만 이는 다른 기타의 구성, 즉 설정 방식, 연주 중인 튜닝과 현 장력의 관계, 왼손 연주 방식 등을 무시합니다. 튜닝의 미세한 변화에 영향을 줍니다.

“Or whether the pickups can perform in the way you want them to. The best thing someone can do before hitting record is become the most intuitive musician that they can, based on what they want to achieve with their instrument.”

“또는 픽업이 원하는 방식으로 작동할 수 있는지 여부도 마찬가지입니다. 녹음을 하기 전에 누군가가 할 수 있는 가장 좋은 일은 자신의 악기로 성취하고자 하는 바를 바탕으로 가장 직관적인 음악가가 되는 것입니다.”

He also recommends tuning to a piano at full volume, rather than relying on a tuner, as they “don’t tell you about the variation that might be occurring above and below the pick attack, or during the sustain.” He adds: “When tuning to a piano note, you can hear how in tune you are versus the piano – that’s why you’ll see orchestras tuning to each other.”

그는 또한 튜너에 의존하기보다는 피아노를 최대 볼륨으로 튜닝할 것을 권장합니다. 왜냐하면 "피크 어택 위와 아래 또는 서스테인 중에 발생할 수 있는 변화에 대해 알려주지 않기 때문입니다." 그는 다음과 같이 덧붙입니다. "피아노 음을 조율할 때 피아노와 자신의 조율이 얼마나 일치하는지 들을 수 있습니다. 이것이 바로 오케스트라가 서로 조율하는 것을 볼 수 있는 이유입니다."

Safety first

안전 제일

Savell says bedroom producers can be guilty of “poor tonal choices,” so it’s important to set up a get-out-of-jail-free card. “As a safety mechanism you should be recording your guitars with a DI so that your tone can be rescued if needed.”

Savell은 침실 제작자가 "잘못된 색조 선택"에 대해 유죄를 선고받을 수 있으므로 탈옥 카드를 설정하는 것이 중요하다고 말합니다. "필요한 경우 톤을 복구할 수 있도록 안전 장치로서 DI로 기타를 녹음해야 합니다."

You also want a suitable gain level. If it’s too loud there’s the risk of clipping, which is a difficult thing to fix. But if you overcompensate, a recording may include too much of the electrical noise inherent in guitars, cables and pedals. Says Lever: “I’ll make the loudest sound I can make on the guitar until it doesn’t clip on a preamp, then go back one notch.”

또한 적절한 게인 레벨을 원합니다. 소리가 너무 크면 잘릴 위험이 있어 해결하기 어렵습니다. 그러나 과도하게 보상하면 녹음에 기타, 케이블 및 페달에 내재된 전기적 소음이 너무 많이 포함될 수 있습니다. Lever는 다음과 같이 말합니다. "기타가 프리앰프에 걸리지 않을 때까지 기타에서 만들 수 있는 가장 큰 소리를 낸 다음 한 단계 뒤로 물러납니다."

Setting the tone

톤 설정

In order to avoid the tone-chasing rabbit hole while recording, familiarity outranks experimentation. “Always record with a guitar sound you like,” Savell says. “It’s good for comfort and it also gives mixing engineers – if you’re going to work with one – a reference point if they want to build new tones.”

녹음하는 동안 톤을 쫓는 토끼굴을 피하기 위해 익숙함이 실험보다 중요합니다. Savell은 "항상 원하는 기타 사운드로 녹음하세요"라고 말합니다. "편안함을 위해 좋으며, 믹싱 엔지니어가 새로운 톤을 만들고자 할 때 기준점을 제공합니다."

If you’re demoing your new track with your favorite tone, how should you dial in the double track’s tone? 

좋아하는 톤으로 새 트랙을 시연하는 경우 더블 트랙의 톤을 어떻게 조정해야 합니까?

Savell says it comes down to trial and error, but adds: “There are characteristics of different amps and tones that I find work well together.

Savell은 시행착오를 거쳐야 한다고 말하면서 다음과 같이 덧붙였습니다. “제가 보기에 서로 잘 어울리는 앰프와 톤의 특징이 있습니다.

The more guitar performances you start stacking on top of each other, the smearier they can become

기타 연주가 더 많이 쌓일수록 더 지저분해질 수 있습니다.

“A high-gain, smooth-sounding amp like a Peavey 5150 or Mesa/Boogie Dual Rectifier pairs well with a slightly backed-off breakup amp like a Marshall. It gives you a combination of saturation and a more percussive sound.”

“Peavey 5150이나 Mesa/Boogie Dual Rectifier와 같은 하이게인, 부드러운 사운드 앰프는 Marshall과 같은 약간 뒤로 물러난 브레이크업 앰프와 잘 어울립니다. 채도와 더욱 타악기적인 사운드의 조합을 제공합니다.”

Lever’s approach is a little more streamlined: “You can’t use one rule for everything: add what you think is missing from that first tone. You don’t want to compromise either tone.”

Lever의 접근 방식은 좀 더 간소화되었습니다. “모든 것에 하나의 규칙을 사용할 수는 없습니다. 첫 번째 톤에서 누락되었다고 생각되는 것을 추가하세요. 어느 쪽의 톤도 타협하고 싶지 않습니다.”

Less is more

적을수록 더 좋습니다

Both engineers agree that recording more guitars isn’t necessarily conducive to a bigger, punchier sound. “Quad tracking is something that I only really do when I know that the guitarist is exceptionally tight,” Savell says. “The more guitar performances you start stacking on top of each other, the smearier they can become – you lose the articulation of what’s being played.

두 엔지니어 모두 기타를 더 많이 녹음한다고 해서 반드시 더 크고 강력한 사운드를 얻을 수 있는 것은 아니라는 점에 동의합니다. "쿼드 트래킹은 기타리스트가 매우 빡빡하다는 것을 알 때에만 실제로 수행하는 작업입니다."라고 Savell은 말합니다. “기타 연주가 더 많이 쌓일수록 연주가 더 지저분해질 수 있습니다. 연주되는 내용의 명료함을 잃게 됩니다.

Lever adds: “Instead of tracking more of the same, I’d be thinking about playing something different with other layers, like higher or lower octaves, ambient or lead parts to fill out the sound. Then it becomes more melodious and interesting.”

Lever는 다음과 같이 덧붙입니다. “동일한 것을 더 많이 추적하는 대신, 사운드를 채우기 위해 더 높거나 낮은 옥타브, 주변 또는 리드 파트와 같은 다른 레이어를 사용하여 다른 것을 연주하는 것에 대해 생각하고 있습니다. 그러면 더욱 선율적이고 흥미로워집니다.”

Tracking

추적

Recognizing that many of us record their demo parts in isolation, Savell stresses that it’s “important to listen to what the other instruments are playing. If each member records to an earlier demo version, they’re not bouncing off each other’s performances – it gets a little stale and things can fall out of sync.”

우리 중 많은 사람들이 데모 파트를 따로 녹음한다는 점을 인식한 Savell은 “다른 악기가 연주하는 것을 듣는 것이 중요합니다. 각 멤버가 이전 데모 버전으로 녹음하면 서로의 연주가 튀지 않고 약간 낡아지고 동기화가 깨질 수 있습니다.”

Asked if it’s better to aim for fluid takes or a more fragmented approach, Lever says: “

유동적인 테이크를 목표로 하는 것이 더 나은지 아니면 좀 더 세분화된 접근 방식을 목표로 하는 것이 더 나은지 묻는 질문에 Lever는 다음과 같이 말합니다.